Art brut. Część 1. Sztuka bez domieszki kultury
Art brut to nie tylko sztuka. To „podróż w głąb ludzkiej psychiki, gdzie przepełnione są doznania i emocje”. Jest w tych pracach coś odrażającego, a jednocześnie nęcącego, tak jakby umiejętność spojrzenia poza krawędź naszej rzeczywistości była marzeniem każdego realizatora dźwięku.
Czy znasz odpowiedź na pytanie: „Czym jest sztuka?” Mistrzostwo techniki? Dzika fantazja? Możliwość dopasowania kolorów? Jean Dubuffet znalazł odpowiedź na to pytanie, kładąc podwaliny pod cały kierunek w sztuce zwany art brut (z francuskiego art brut). Surowa, surowa sztuka pacjentów psychiatrycznych, outsiderów i po prostu zakręconych samotników. Czasem naprawdę brzydkie i odrażające, a jednocześnie hipnotycznie atrakcyjne … Takie prace zbierał Dubuffet.
Kiedyś Jean Dubuffet nie był po prostu źle zrozumiany - śmiali się z niego i jego dzieł. Teraz jego zbiory stały się obiektem marzeń najlepszych muzeów sztuki współczesnej na całym świecie. Kolekcjonerzy dają góry złota na kolejny standard „surowej sztuki”, a nazwisko Jean Dubuffet wkrótce dorówna takim mistrzom jak Picasso i Salvador Dali.
Ścieżka Jeana Dubuffeta jest dość długa i czasami bardzo kręta, pełna mentalnych pędów i cierpienia. Bardzo długo, jak wielu ludzi z wektorem dźwiękowym, szukał siebie i dzieła całego życia. Próbowałem siebie w malarstwie, muzyce i literaturze. Próbował nawet pójść w ślady ojca i zajmował się winiarstwem.
Na świecie istnieje stereotyp, że talent człowieka ujawnia się w młodym wieku. Lata do 21. Maksymalnie do 27. Jean Dubuffet, dla którego, jak zobaczymy później, ramy nie istnieje, ten frazes burzy, bo odnalazł drogę dopiero po czterdziestce, kiedy w końcu zdał sobie sprawę, że jego główną pasją jest obraz.
Jakie cechy i właściwości powinien mieć prawdziwy artysta? Ludzie z wektorami analnymi i wzrokowymi, ludzie o złotych dłoniach i złotych głowach często stają się mistrzami koloru. Dzięki wytrwałości, cierpliwości i skrupulatności wektora analnego, a także dobremu gustowi i nienagannemu wyczuciu doskonałej wizualizacji, tacy ludzie mogą tworzyć prawdziwe arcydzieła, wyraźnie oddające każdy szczegół, każdy zakręt. Analiczni mistrzowie wizualni to artyści, rzeźbiarze, projektanci i projektanci - jednym słowem ci, którzy tworzą kulturę i ją pielęgnują.
Jean Dubuffet, posiadający zarówno wektory analne, jak i wizualne, był artystą (ukończył Szkołę Sztuk Pięknych w Le Havre), ale z jakiegoś powodu nienawidził tej właśnie kultury z całego serca i sprzeciwiał się jej. Przeciw jej „martwemu językowi”, przeciwko skostniałemu duchowi, przeciwko wszystkiemu, co się z nią wiąże. Na przykład Dubuffet nazwał muzea „kostnicami zabalsamowanych ciał”, do których ludzie przychodzą „jak w niedzielę na cmentarz, z całą rodziną, w ciszy i na palcach”.
Podążając za tradycjami i wszystkimi regułami tworzonymi przez tysiąclecia, zdaniem Jeana Dubuffeta zabija sztukę, pozbawia ją duszy. Prawdziwej sztuki trzeba szukać w innych miejscach - w pracy dzieci, wariatów, ekscentryków, których rękami tworzy nieświadomość, samego ducha zniszczenia i barbarzyństwa, którego szukał artysta. Tam, gdzie sztuka nie jest tworzona ze względu na wystawy i pochwałę, gdzie działa tylko jako samorealizacja.
„Dla mnie nigdzie nie ma piękna. Samo pojęcie piękna jest beznadziejnie błędne”- powiedział Jean Dubuffet. Tajemnica tak wściekłego antagonizmu artysty tkwi w jego nieświadomości, a mianowicie w obecności dźwiękowego wektora, dla którego samo pojęcie wolności jest bardzo cenne. Nie chodzi tu wcale o chęć, nie o cewkę moczową „chodzić w ten sposób”, ale o wolność osobistą, która jest główną wartością inżyniera dźwięku starającego się we wszystkim wyjść poza ramy i konwencje, zanurzyć się w głąb i zrozum znaczenie.
W ogóle nie dziwi fakt, że jeszcze w 1924 roku Jean Dubuffet zainteresował się monografią Hansa Prinzhorna „Malarstwo chorych psychicznie”, po przeczytaniu której młody artysta zdał sobie sprawę, że jego własne obrazy są bezużyteczne i zniszczył je. Odtąd życie Jeana Dubuffeta jest bezpośrednio związane z poszukiwaniem siebie, z poszukiwaniem tej właśnie wolności, nieoszlifowanego diamentu, sztuki „w czystej postaci” bez domieszki kultury.
Prawda tkwi w niedoskonałości. W zarodku embrion kryje w sobie duże znaczenie i ogromny potencjał. Dubuffet cierpiał na to, że skończył Szkołę Sztuk Pięknych, by tak rzec, „kultywował”, znalazł ramy, kajdany, uniemożliwiające mu tworzenie. Nie stracisz swojej specjalnej techniki i nie zapomnisz … A artysta coraz bardziej lubił prace innych - zbierał zdjęcia szaleńców, „medium”, morderców i innych „ekscentryków”, badał je, przestudiował i próbował odkryć sekret.
A skrzynia, jak mówią, właśnie się otworzyła. Wszakże wszystkie te typy ludzi z reguły mają wektor dźwiękowy, a co za tym idzie podobne postrzeganie życia. Lubi lubić - a szaleńcy często pociągają ludzi zdrowych, ponieważ wszystko jest zjednoczone w dźwięku: zarówno geniusz, jak i szaleństwo. Wzmożone zainteresowanie Jeana Dubuffeta to przede wszystkim poszukiwania. Poszukiwanie siebie i poszukiwanie w sobie: droga przez trudne ścieżki przez innych do poznania swojej istoty, do swojego „ja”.
Raz po raz, niepewnymi krokami, Jean Dubuffet próbował powrócić do kreatywności, ale nie udało mu się. Nowe próby stworzenia tej samej „darmowej” sztuki przerodziły się w gorzkie rozczarowanie: wymyślając coś nowego, artysta zaczął rozumieć, że to wszystko było „nie to”, to wszystko już się wydarzyło. I to nie jest sztuka, ale znowu przestrzeganie kanonów, zasad i ram. Kajdany kultury były mocno zakorzenione w rękach Dubuffeta, a on zniszczył wszystkie swoje obrazy, po raz kolejny całkowicie porzucił ideę malarstwa, szukał siebie w innych sferach działalności (rysowanie, robienie wina, opieka nad rodziną).), ale prędzej czy później wrócił do malowania. Ostatni i ostatni powrót w wieku 41 lat był udany: artysta w końcu znalazł to, czego szukał.
Jean Dubuffet rozwija technikę „wyrastania ciasta”. Artysta porzucając nie tylko tradycyjne techniki, ale nawet tradycyjne materiały malarskie, wykonał mieszankę gipsu, wapna i cementu, rozsmarował powstałe „ciasto” na płótnie, a następnie na powstałą powierzchnię nanosił rysy. Rodzaj malarstwa naskalnego (które, nawiasem mówiąc, również bardzo interesowało się Dubuffetem). Inną techniką stworzoną przez niezwykłego artystę był spontaniczny rysunek długopisem i nazwano ją klepsydrą.
Jean Dubuffet znalazł, jego zdaniem, dokładnie to, co sztuka wyraża „poza kontekstem kultury”, barbarzyński duch, spontaniczność. Chaos jest całkowitym przeciwieństwem kultury, przestrzeni i właśnie to odzwierciedla się w pracach artysty: brzydkie, przerażające formy wypełnione dźwiękowym cierpieniem i znaczeniem, nieuporządkowane kompozycje odzwierciedlające wewnętrzne stany psychiczne autora, polisemantyczne abstrakcje. Znaczenie ma również brak sensu, jakakolwiek prezentacja ideologiczna czy zaszyfrowana wiadomość. Dlatego dla niektórych obrazów, w większości tworzonych spontanicznym rysunkiem, charakterystyczne jest właśnie to odejście „w minus”, bezsensowność, kompletne „nic”, z którego wtedy „coś” się rodzi.
Dwie pierwsze wystawy prac Jeana Dubuffeta spotkały się z niezrozumieniem, a nawet wyśmiewaniem. Artysta nie był jednak zaskoczony. Nie spodziewał się, że jemu współcześni zrozumieją jego „niesztukę”. Nie powstrzymało go oburzenie krytyków: o dziwo artysta stworzył w ciągu swojego życia ponad 10 tysięcy prac, które obecnie są własnością muzeów w Lozannie, Nowym Jorku, Berlinie, Rotterdamie, Paryżu, a nawet Moskwie.
Między innymi w trakcie swojej twórczości Jean Dubuffet wielokrotnie organizował wystawy tzw. Neo-prymitywizmu, na które składały się tak starannie dobrane prace dzieci, pozaeuropejskich „dzikusów”, twórczość chorego psychicznie, chłopskiego i miejskiego folkloru. i wiele więcej (o tej kolekcji porozmawiamy w następnym artykule). Kolekcja Dubuffeta, w połączeniu z jego własnymi dziełami, stała się fundamentem kierunku art-brut, który do dziś jest popularny wśród tych samych artystów dźwiękowych.
Art brut to nie tylko sztuka. To „podróż w głąb ludzkiej psychiki, gdzie przelewa się doznania i emocje”.
Jest w tych pracach coś odrażającego, a jednocześnie nęcącego, tak jakby umiejętność spojrzenia poza krawędź naszej rzeczywistości była marzeniem każdego realizatora dźwięku.
Przeczytaj kontynuację
