O czym mówi „Obrzydliwa historia sztuki”
Na każdą sztukę należy patrzeć z punktu widzenia czasu powstania, kierując się mentalnością danego kraju i specyficznymi cechami autora dzieła. Zakłada to obecność nie tylko ogromnej wiedzy, ale także chęć zrozumienia psychiki osoby, która od dawna mieszka w określonym miejscu na Ziemi. I tylko wtedy można uzyskać obiektywny portret psychologiczny twórcy i zrozumieć jego twórczość …
W 2019 roku Wydawnictwo Eksmo opublikowało książkę Disgusting Art. Humor i horror malowania arcydzieł”. Autorka, z wykształcenia krytyk sztuki, z doskonałą erudycją i błyskotliwym poczuciem humoru, pisze o dziełach światowej sztuki z niecodziennego punktu widzenia dla miłośników piękna.
Historia tej książki rozpoczęła się na osobistym blogu autorki w 2017 roku, pod tytułem „Obrzydliwa krytyka artystyczna”, opublikowała analizę treści obrazów z przeszłości, szokujących czytelników, z których wiele to powszechnie uznawane arcydzieła o światowym znaczeniu. Autorka przedstawia wątki tych obrazów we współczesnym języku, w manierze żywej potocznej mowy, bez naukowego podobieństwa przyjętego przez intelektualistów i zasłaniania ostrych tematów, które nie są akceptowane w dyskusji w przestrzeni kulturowej. Pod jej piórem starożytne greckie mity i biblijne historie zrzuciły kulturowe szaty i przekształciły się w opowieści o kanibalach, gwałtach, rabunkach, morderstwach, zbrodniach i wszelkiego rodzaju okaleczeniach, które ludzie, bohaterowie i bogowie, święci, królowie i męczennicy zadają sobie nawzajem.
Blog szybko stał się popularny. W 2019 roku Wydawnictwo Eksmo opublikowało książkę Disgusting Art. Humor i horror malowania arcydzieł”w tysiącach egzemplarzy. Książka stała się bestsellerem. Jak pisze sama autorka, książka zawiera „moje głupie żarty o sztuce i krwiożercze zdjęcia o gwałcie, kanibalizmie, wyłupywaniu wizjera i innych rozkoszach”.
Wielokrotnie spotkałem się z tym, że wielu mądrych, subtelnych, inteligentnych ludzi porywa to zjawisko i płonącymi oczami chłonie historie „odrażającej historii sztuki”.
W tym artykule podjęłam próbę ustalenia, na czym polega istota tego zjawiska, kto jest odbiorcą takich historii i czy te treści są przydatne dla społeczeństwa. Co kryje się za „obrzydliwą historią sztuki” - światłem wiedzy, jak ją stawia autorka, czy dewaluacją uznanych przez ludzkość dzieł sztuki światowej? A może prawda leży gdzieś na innej płaszczyźnie, niezwiązanej ze sztuką?
Zacznijmy z daleka i przypomnijmy historię powstania sztuki, którą ujawnił Jurij Burlan na szkoleniu „Psychologia systemowo-wektorowa”.
W nieświadomości ludzkości natura ma dwa podstawowe pragnienia: przetrwanie i reprodukcję. Z tego wynikają dwa podstawowe aspiracje - jeść, aby żyć i pozostać w dzieciach. Dlatego seks i morderstwa są głównymi motorami życia każdego człowieka od wielu tysięcy lat. A dziś ludzie, będąc w nierozwiniętym, archetypowym stanie, przede wszystkim lubią dyskutować na te tematy, plotkować o nich na ławkach i oglądać filmy: kto kogo zabił lub okaleczył, a kto z kim wszedł w intymną relację.
Aby uchronić gatunek przed wyginięciem, ludzie ustanowili tabu i prawa wpisane w naszą ewolucję. Drugim czynnikiem odstraszającym było pojawienie się kultury. W wyniku złożonego i długiego procesu ewolucji naszej psychiki, ludzie nauczyli się współczuć, wczuwać się w drugiego człowieka, pojawiła się miłość. Później tłumaczenie tego stanu na formy i kolory stało się jednym z głównych kierunków artystycznych.
Kultura i sztuka stały się narzędziami ograniczającymi napięcia w społeczeństwie, z ich pomocą ludzie dawali upust swoim emocjom i powstrzymywali się od agresji wobec siebie. W jaki sposób?
Artyści przez cały czas odbijali w swojej twórczości otaczający ich świat w formach i kolorach, postrzegany przez ich szczególnie wrażliwy narząd - wzrok, a jednym z najważniejszych znaczeń twórczości był i pozostaje do dziś składnik emocjonalny.
Czuć emocje, wyobrażać sobie siebie w miejscu kogoś innego, współczuć obrażonym, grozić sprawcy, przynajmniej w myślach o ochronie słabych - to cecha i zdolność tych, którzy są nosicielami tzw. zwany wektorem wizualnym. W społeczności ludzkiej takich osób jest około 5%. Zdając sobie sprawę ze swoich właściwości, często stają się lekarzami i artystami. Lekarz to osoba, która pomaga drugiemu człowiekowi, leczy jego duszę i psychikę, akceptuje go, współczuje i współczuje. Artysta motywuje widza do kochania swoją sztuką wizualną - bo on sam kocha.
Kultura rozwijała się i rozwija się równolegle z ewolucją człowieka. Na poziomie przyrody nieożywionej ludzie potrafili docenić piękno form, na poziomie roślinnym i zwierzęcym nauczyli się nawiązywać i komplikować emocjonalne połączenie ze światem istot żywych, na poziomie ludzkim idee humanistyczne najwyższego pojawiła się wartość życia ludzkiego. Czwarty, duchowy poziom, nie został jeszcze objawiony przez ludzkość. Ale wśród wielkich artystów, prawdziwych geniuszy, których psychika obejmuje zarówno wektory dźwiękowe, jak i wizualne, widzimy od kilku stuleci próby przełożenia tego tematu na twórczość.
Stopień rozwoju wektora wizualnego jest różny wśród jego nośników i determinuje zainteresowanie artysty tym, co i jak przedstawia w swojej twórczości. Ale w zasadzie zawsze jest to żywe zainteresowanie przedstawionym. Jeśli artysta ucieleśnia na płótnie sceny strachu i przemocy, jeśli maluje samookaleczenia we wszystkich szczegółach, przerażając siebie i przerażając publiczność, oznacza to, że jego psychika jest w stanie nierozwiniętym, frustrującym lub stresującym. Taka kreatywność nie jest użyteczna, nie prowadzi ludzkości na ścieżce ewolucji. To jest manekin.
Motywem przewodnim „odrażającej historii sztuki” jest rozmowa o przerażających tematach, które leżą u podstaw fabuły wielu dzieł sztuki. Autor książki we wstępie pisze: „W wielu muzeach na całym świecie można znaleźć obrazy znanych artystów XV - XIX wieku, które zadziwiają swoją zawartością. Wyraźnie dzieje się na nich coś złego - morderstwa lub rozczłonkowanie, dziwactwa są przedstawiane lub nieprzyzwoite, naszym zdaniem, działania. Aby zrozumieć, co dokładnie dzieje się na płótnie, musisz poważnie zagłębić się w historię lub literaturę, przypomnieć sobie dawno zapomnianych mitycznych bohaterów.
Okazuje się, że wiele z tych przerażających postaci - przestępców i ofiar - wędrowało od obrazu do obrazu od wieków, od starożytności i renesansu po romantyzm i nowoczesność. Artyści od wieków interesują się tymi tematami, mimo ogromnej liczby innych, znacznie bardziej „przyzwoitych” i pięknych historii. W zależności od epoki zmieniają się przyczyny tego zainteresowania, ale ich główne źródło pozostaje niezmienne - potrzeba ciągłego pojmowania tego, co najstraszniejsze może stworzyć dla jednej osoby, potrzeba poznania demonów własnej duszy.
Jeśli podsumujemy tematy, o których pisze autor, otrzymamy takie samo morderstwo i seks. Właśnie takie tło ujawnia autor „odrażającej historii sztuki” w swoich opowiadaniach.
Dochodząc do brzydkiej istoty obrazów, aw istocie do fundamentów ludzkiego życia w naszej nieświadomości, autor „odrażającej historii sztuki” kładzie temu kres, pozostawiając śmiejącego się czytelnika z gorzką myślą: „A więc okazuje się, czym jest sztuka! Seks i morderstwa, przemoc, zbrodnie i wady natury ludzkiej, pokryte jaskrawymi kolorami i piękną formą”. Przy takim podejściu ukazywanie namiętności natury ludzkiej okazuje się nadrzędnym celem sztuki, a rola artysty jawi się jako metody błazna zabawiającego widza kolorowymi anegdotami.
Rozebranie fabuły, ujawnienie mechanizmu ludzkich działań, „odrażająca historia sztuki” dewaluuje sztukę, przedstawiając ją jako komiks okropnych, głupich lub zabawnych historii, widzianych w ten sposób oczami naszych współczesnych.
Kto jest konsumentem tych treści? Kto lubi naśmiewać się z bohaterów, odsłaniając ciemną stronę ludzkiej natury? Właściciele tych samych właściwości wektora wizualnego. Wielu z nich ma wyższe wykształcenie, wychowało się na próbkach literatury klasycznej i muzyki, odwiedza muzea i teatry. Z zasłoną edukacji potrafią docenić piękno i wdzięk, ale nie doświadczają wystarczającej przyjemności w życiu.
Bawiąc czytelnika radosnym stylem i fascynującą fabułą, autor nie pokazuje tego, co najważniejsze: jak te wydarzenia są interpretowane przez artystę, jak obraz na płótnie odzwierciedla punkt widzenia artysty i jakie jest jego własne przesłanie dla widz. I zawsze tak samo jest w uznanych arcydziełach malarstwa: akceptacji, empatii, potępieniu przemocy i współczuciu dla obrażonych.
Należy pamiętać, że wartości moralne ludzi nie są stałe: w różnym czasie, w różnych krajach, w zależności od mentalności ludzi i artysty, mogą się różnić. A to, co naturalne i akceptowane w jednej epoce, może być postrzegane jako potworne w innej. Dzisiaj, gdy liberalny humanizm podniósł wartość jakiegokolwiek życia ludzkiego do absolutnego, jakakolwiek przemoc wobec osoby jest niedopuszczalna, nie mówiąc już o morderstwach i samookaleczeniach. Ale nie zawsze tak było.
Spójrzmy na dwa przykłady z historii sztuki. Obraz Rembrandta „Gwałt na Ganimedzie” przedstawia spisek ze starożytnego greckiego mitu, w którym orzeł-Zeus unosi pod chmurami chłopca skradzionego z wioski.
Skoncentrujmy się na tym, co dokładnie przedstawia Rembrandt. Wielki Holender pokazuje widzowi cierpienie i strach małego dziecka porwanego przez dużego ptaka. Zgodnie z estetycznymi kanonami naszych czasów pomarszczona, poplamiona łzami twarz grubego malucha nie jest ideałem dziecięcej urody, grube nogi i szeroka twarz maluszka nie wzbudzą współczucia u każdego, ale niewątpliwie poczucie, że artysta, sam ojciec, ma za sobą portretowane dziecko. Kilka precyzyjnych szczegółów - a każda matka i ojciec zapamiętają swoje dziecko w emocjonalnie podobnej sytuacji - ściskając w dłoni kiść jagód, z podciągniętą koszulą, sikając przezroczystą strużką strachu. Co dokładnie jest przedstawione na tym obrazku? Niewłaściwy stosunek seksualny, jak pisze o tym autorka bloga? Nie. Współczucie i empatia dla małego człowieczka, który znalazł się w trudnej sytuacji.
Inny przykład. Na obrazie Rubensa „Porwanie Orifii przez Boreasa” (1715) potężny mężczyzna trzyma w ramionach opuchniętą kobietę. Jak mówi autor „odrażającej historii sztuki”, scharakteryzowano go jako „mężczyznę dopuszczającego się na tym płótnie bezprawnego uprowadzenia kobiety z miejsca jej stałego zamieszkania w celu popełnienia regularnych czynności seksualnych, a następnie zatrzymania wbrew jej woli. w innym miejscu”. Podkreślony protokół współczesny język dewaluuje przedstawiony, a teraz widz zamiast cudownie napisanych obrazów dwóch pięknych ludzi o silnych uczuciach, widzi banalną policyjną historię.
Przez wiele tysiącleci historii ludzkości uprowadzanie kobiet z sąsiedniego plemienia było gwarancją przetrwania. Małżeństwa mieszane dały silne i inteligentne potomstwo, chroniły plemię przed degeneracją. Odkąd zaczęto wykorzystywać instynkt macierzyński, kobietę traktowano jak własność bez prawa do własnego życia. Tak było w zasadzie w czasach Rubensa. Fabuła tego obrazu była zrozumiała dla ludzi XVII wieku i choć nie z realiów ich życia, jest całkiem do przyjęcia jako obraz historycznej przeszłości. Miarę XXI wieku, która daleko posunęła się w uznaniu praw człowieka, nie można „ocenić” na podstawie obrazów artystów żyjących wiele wieków temu.
Co właściwie przedstawia obraz P. Rubensa? Jest to uprowadzenie kobiety przez mężczyznę dla przyjemności, ze względu na najbardziej ostre i potężne doświadczenie, niezwykle ważne dla każdego normalnego dorosłego. W ramionach namiętnego i silnego mężczyzny, uległej kobiety, już ze zmysłowym rumieńcem, gotowej przyjąć mężczyznę, który ją wybrał i pogodził się z jej przeznaczeniem. W jej postawie nie ma cierpienia ani oporu, to przeczucie zwykłego i tak upragnionego kobiecego szczęścia - bycia kochaną, bycia żoną i matką. To obraz o związku mężczyzny i kobiety, o ich wzajemnej akceptacji, którą jest miłość.
Właściwie, poprawnie odsłaniając podstawy ludzkiej natury, „obrzydliwa historia sztuki” kończy z punktem, w którym trzeba wstawić przecinek i iść dalej, głębiej rozumiejąc proces rozpoczęty przez autora. Dewaluacja sztuki przeszłości przez żrącą, czasem na granicy niedrukowalności, jednym słowem, a ocena tej sztuki z perspektywy człowieka XXI wieku jest absurdalna i niepotrzebna. Jest to równoznaczne z tym, jak dorosły potępiłby dziecko za robienie kupy w spodnie i ciągnięcie kota za ogon.
Usunięcie zasłon i zrozumienie istoty wątków mitologicznych, religijnych i innych w historii ludzkości jest pierwszym krokiem do prawdziwego zrozumienia sztuki i jej roli w historii.
Sugerowałbym inny algorytm pojmowania istoty sztuki:
I etap: aby zrozumieć fabułę określonego dzieła sztuki, „rozebrać” fabułę do jej prostej istoty.
II etap: analiza systemowo-wektorowa działki będącej podstawą danego dzieła sztuki.
III etap: badanie tego, jak artysta przedstawił fabułę swoimi narzędziami malarza, jakie nadał jej znaczenia, jakie cechy postrzegania świata odczytuje się w związku z mentalnością ludzi i mentalnością autora obrazu.
Po wyjaśnieniu wszystkich niuansów przedstawionej historii do krystalicznej jasności, należy ponownie wrócić do formalnej strony dzieła sztuki i oczami krytyka sztuki z talentem pisarza w wysokiej jakości języku literackim, aby pokazać jak dokładnie artysta spełnił swoją trudną i szlachetną misję - obudził w ludziach współczucie, miłość, pokonując nienawiść i wyobcowanie, zadawał pytania o strukturę wszechświata, szukał sensu życia.
Wówczas wiele strasznych, zabawnych czy śmiesznych sytuacji utrwalonych w malarstwie zostanie poprawnie zrozumianych przez widza XXI wieku i przestanie wywoływać idiotyczny śmiech czy gorzkie rozczarowanie sztuką i twórczością artysty.
Na każdą sztukę należy patrzeć z punktu widzenia czasu powstania, kierując się mentalnością danego kraju i specyficznymi cechami autora dzieła. Zakłada to obecność nie tylko ogromnej wiedzy, ale także chęć zrozumienia psychiki osoby, która od dawna mieszka w określonym miejscu na Ziemi. I tylko wtedy można uzyskać obiektywny psychologiczny portret twórcy i zrozumieć jego twórczość.
Dowiedzieć się, co kryje się za fabułami słynnych dzieł sztuki z punktu widzenia systemowej wiedzy, oznacza dotrzeć do istoty relacji międzyludzkich i poprzez historie utrwalone na płótnach zrozumieć dosłownie wszystko, co porusza ludzkość po drodze jej rozwoju. A potem spójrz na konkretne arcydzieło oczami współczesnych, oczami mistrza, który je stworzył, i zrozum, co dokładnie przedstawił autor - Rubens, Michelangelo, Kandinsky, Picasso - jakie przesłanie przekazał ludziom i poprawnie ocenić jaki wkład artysta wniósł w drogę ewolucji ludzkości.
