Inteligencja do kwadratu: czarna przestrzeń abstrakcyjnego myślenia. Część 3
Cała twórcza ścieżka Malewicza to potężne, dźwiękowe pragnienie przebicia się przez krawędź fizycznej rzeczywistości. Abstrakcyjny intelekt popchnął artystę do głębokich poszukiwań, chęci wyjścia za ekran widzialnego i namacalnego, wniknięcia w istotę rzeczy …
Koniec malowania: czarno-biały. Część 1
Czarny kwadrat: wierzyć czy wiedzieć? Część 2
W 1927 roku Kazimierz Malewicz przywiózł około stu swoich prac na indywidualną wystawę do Warszawy, a następnie do Berlina. Nagle artysta wrócił do ZSRR. Dzieł pozostawionych w Berlinie nie mógł odebrać, gdyż ograniczył się do wyjazdów za granicę. Jednak on sam wkrótce je powtórzył. Mamy więc co najmniej cztery wersje czarnego kwadratu.
Przed obrazem zawsze oznaczało oryginał. Jednak Kazimierz Malewicz pisząc "Czarny kwadrat" zniósł wyjątkowość jako integralną cechę dzieła sztuki.
A to było niespotykane. Replikowany obraz to kolejny paradoks, kolejny wynalazek sonicznego geniuszu Malewicza. Kolejne z jego proroctw.
Usłysz przyszłość. Malarstwo - w obiegu
Dziś wcale nie dziwi nas możliwość sfotografowania dowolnego dzieła sztuki na telefonie komórkowym, wysłania go w sekundę na drugi koniec świata i wydrukowania tam praktycznie bez utraty jakości. Na początku XX wieku nikt nawet nie przypuszczał, że techniczne środki reprodukcji, a później technologie cyfrowe do tworzenia obrazów, które bez końca odtwarzają dzieła sztuki, zniosą ich wyjątkowość.
Spotkanie z dziełem sztuki tradycyjnie było dla widza szczególnym przeżyciem sakralnym. Patrzenie na obraz oznaczało zobaczenie na własne oczy jego oryginału. Techniczne odtworzenie obrazu było niezwykle trudne. Ręczne robienie kopii wymagało nie mniej umiejętności niż autor i było niemożliwe w dużych ilościach. Fotografia i techniczne środki reprodukcji dopiero zaczynały się pojawiać.
Charakter pociągnięcia, cechy opracowania pomalowanej powierzchni, niuanse kolorystyczne właściwe temu lub innemu artyście stworzyły szczególną aurę dzieła sztuki.
Nasz stosunek do tradycyjnego obrazu zawsze przypomina nasz stosunek do ikony lub innego tematu kultu religijnego: odbieramy go bez krytyki, ponieważ ma status sakralny.
Czarny kwadrat Malewicza był dziełem nowego formatu, niemal pozbawionego wyjątkowości. Dzieło, tracąc aurę autentyczności, traci także swój status sakralny - swoisty szczególny stosunek widza do niego, szacunek, szacunek.
Reprodukcja i wszelkie prace produkcyjne nie mają tej aury. Nietypowe rzeczy wypełniają i tworzą nasze życie. Nie ratujemy ich, gdy jedna rzecz się zużyje, łatwo zastępujemy ją inną. Nie oddziela nas od druków kokon szczególnej percepcji, czujemy się z nimi na równi. Dlatego w pełni przyznajemy się do krytyki takich prac. Nie będziemy krytykować Mony Lisy, nawet jeśli w ogóle nam się to nie podoba, ale równie dobrze możemy skrytykować zdjęcie na okładce książki.
To właśnie ta łatwość reprodukcji suprematystów Malewicza stawia widza na tym samym poziomie co artysta, niszcząc kokon szczególnego statusu obrazu.
A pod koniec XX - początku XXI wieku nawet ludzkie ciało przestanie być wyjątkowe: technologie komórkowe pozwolą sztucznie hodować narządy dawców, tworzyć i zastępować fragmenty tkanki ciała. Niemal sto lat przed tymi wydarzeniami Malewicz rzekomo deklarował w swoim obrazie „Czarny kwadrat”: jedyną rzeczą, która nie nadaje się do klonowania, jest ludzki duch, myśl artysty.
Prosto w przyszłość. Czarny kwadrat w Twoim domu
Im większy obieg dzieło, tym bliżej widza i tym silniejszy wpływ na odbiorcę. Przechodząc od sztuki do produkcji, dzieło traci swoją świętość, ale zyskuje ogromne wpływy.
Duże nakłady pozwalają nawiązać kontakt z ogromną liczbą widzów i wywrzeć ogromny wpływ. Takie pokrycie nie było możliwe w dawnych czasach dla tradycyjnego obrazu. Praca drukowana, wchodząca w interakcję z człowiekiem tu i tam, nieustannie się aktualizuje. Aura, szczególna atmosfera, jaką miał obraz, została utracona, ale siła uderzenia wzrasta wielokrotnie.
Tym samym dzięki pojawieniu się „Czarnego kwadratu” obieg staje się nową zasadą komunikacji. Od tego momentu wszystkie główne gatunki sztuki masowo oddziałują na widza. Kinematografia i telewizja stają się najważniejsze.
Masowa komunikacja jest konieczna, aby stworzyć spójność, podobny sposób myślenia. Konsekwencja jako jednolity system nerwowy pozwala organizmowi-społeczeństwu na bezproblemowe funkcjonowanie, natychmiastową wymianę informacji i nie wywoływanie konfliktów wewnętrznych. Komunikacja masowa staje się alternatywą dla kultu religijnego. Jednoczą się, edukują, wyjaśniają, błyskawicznie rozpowszechniają informacje, co jest bardzo ważne dla dużego kraju. Technologie komunikacji masowej - powielone drukowane obrazy i wzory przemysłowe, technologie telewizyjne, radiowe i filmowe - otrzymały potężny impuls do rozwoju właśnie wtedy, w pierwszych dekadach XX wieku. Oto jak współczesny Malewiczowi, awangardowy poeta, dramaturg, myśliciel i kulturolog Velimir Khlebnikov, interpretuje fenomen komunikacji masowej w swoim eseju-utopii „Radio of the Future”:
„Radio rozwiązało problem, którego sam kościół nie rozwiązał, i stało się tak potrzebne dla każdej wioski, jak teraz jest to szkoła czy czytelnia.
Zadanie przyłączenia się do jedynej duszy ludzkości, pojedynczej fali duchowej, która codziennie przetacza się przez kraj, całkowicie nawadniając kraj deszczem naukowych i artystycznych nowinek - zadanie to rozwiązało Radio przy pomocy piorunów. W wielkich książkach-cieniach wiosek Radio wydrukowało dziś historię ulubionego pisarza, artykuł o ułamkowych stopniach przestrzeni, opisy lotów i wiadomości z sąsiednich krajów. Każdy czyta, co lubi. Ta książka, taka sama dla całego kraju, stoi w każdej wiosce, na zawsze w kręgu czytelników, ściśle maszynistą, cichą czytelnię na wsi."
Argumenty Chlebnikowa na temat radia, które stworzyłyby falę podobnie myślących, stałyby się powszechną książką, w której „każdy czyta, co mu się podoba”, są oczywiście idealistyczne. Radio jako kanał medialny niewątpliwie zjednoczyło się, stworzyło wspólną przestrzeń informacyjną, ale nadal nie zapewniło takiego zaangażowania, o jakim marzył poeta. Jednak około sześćdziesiąt lat później, gdy w każdym domu pojawił się komputer, taką „książką” stał się Internet.
Velimir Khlebnikov przewidział jego pojawienie się. Podobnie jak Kazimierz Malewicz swoim „Czarnym kwadratem” przewidział erę czarnych wyświetlaczy urządzeń elektronicznych, które umożliwiają bezkresne i bezkosztowe nadawanie, powielanie i przechowywanie obrazów.
Każdy w swojej dziedzinie, artyści, pisarze, wynalazcy, inżynierowie początku XX wieku, stworzył przełom kulturowy i naukowy, rewolucję świadomości. Ale życie całego społeczeństwa zmienia się tylko wtedy, gdy odkrycia i wynalazki dotyczą wszystkich. Dlatego wszystkie jasne postacie tamtych czasów przykładały tak dużą wagę do rozwiązywania codziennych problemów, jednym z kryteriów sukcesu była maksymalna prostota i dostępność reprodukcji. Stały się nowym kreatywnym credo.
Na przykład Varvara Stepanova stworzyła szkice modnych codziennych i świątecznych ubrań, które każda kobieta mogłaby stworzyć dla siebie w pół godziny ze zwykłych ręczników kuchennych. Aleksander Rodczenko, Lazar Lissitsky wraz z Władimirem Majakowskim wykonali plakaty reklamowe towarów i usług. Majakowski pisał hasła reklamowe, a artyści stworzyli dla nich wizualną linię, która okazała się jasna, gryząca, żarliwa. Poezja i malarstwo - na ulicach miasta iw domach zwykłych ludzi pojawiły się dwa elitarne, wysokie gatunki.
Do tej pory w Sankt Petersburgu w sklepach Fabryki Porcelany Łomonosowa można było kupić usługę suprematystów, opracowaną przez Malewicza i jego uczniów w latach dwudziestych XX wieku.
Stopniowo zmienia się nie tylko stosunek do dzieł sztuki, ich percepcja, ale także rola artysty. Projektant to nie rzemieślnik, który tworzy rzeczy niepowtarzalne, ale inżynier, projektant. Tworzy powtarzalne systemy i projekty. Ma ogromny wpływ na świadomość ludzi kolorem i kształtem, determinuje ich życie i otoczenie. O tym kiedyś marzył Kazimierz Malewicz.
Istota malarstwa nie tkwi w płótnie i ramie, a nawet w obrazie przedmiotu, tak jak istota człowieka nie tkwi w ciele. Myśl artysty jest ważniejsza niż umiejętność i sposób reprodukcji. Sztuka może i powinna być dostępna, odtwarzalna i rozpowszechniona. To właśnie na podstawie tych przesłanek, opartych na rozwoju Malewicza i jego współpracowników w dziedzinie kompozycji formalnej, zaczęła wyłaniać się nowa praktyka społeczno-kulturowa, którą dziś nazywamy designem.
Kosmos dźwiękowej rzeczywistości. Wejście w otwartą suprematyzm
W 1903 roku Konstantin Ciołkowski opublikował pierwszą część artykułu „Eksploracja przestrzeni świata za pomocą urządzeń odrzutowych”, w której jako pierwszy uzasadnił możliwość lotów w przestrzeni słonecznej. W tej i kolejnych pracach naukowiec położył podwaliny pod kosmonautykę teoretyczną. Jego pomysłem było podróżowanie przez pustą przestrzeń za pomocą napędu odrzutowego.
Jego badaniami zainteresował się oczywiście właściciel wektora dźwięku, artysta Kazimierz Malewicz.
Na początku XX wieku praktyczna astronautyka jeszcze nie istniała i niewiele wiedziano o kosmosie. Pierwszy lot został wykonany przez Jurija Gagarina dopiero 12 kwietnia 1961 roku.
Ale już w 1916 roku Kazimierz Malewicz napisał kompozycje suprematystyczne, w których po raz pierwszy w historii sztuki strukturalnie i kompozycyjnie wyraża stan nieważkości poprzez obraz wizualny. Artysta rzekomo zniósł siłę grawitacji i wszedł w otwarty suprematyzm.
Każdy obraz jest reprodukcją zmysłowego doświadczenia rzeczywistości. Utalentowany artysta to taki, który na pewno to robi. Kompozycja obrazu, podobnie jak człowiek, ma górę i dół, lewą i prawą stronę. Na elementy obrazu w naszej percepcji działa siła grawitacji w taki sam sposób, jak na rzeczywiste obiekty w życiu.
Nasza percepcja dostosowuje się do grawitacji. Każdy artysta domyśla się tych zmysłów zniekształcenia percepcji. Na przykład kształt znajdujący się dokładnie w geometrycznym środku arkusza będzie postrzegany optycznie przez ludzkie oko nieco poniżej środka. Nasza percepcja dodaje grawitacji naszym zmysłom. To uniwersalne prawo porządkuje przestrzeń kompozycyjną każdego obrazu.
A w suprematystycznych kompozycjach Kazimierza Malewicza nie ma góry i dołu, prawej i lewej strony. Wydaje się, że formy unoszą się w powietrzu lub wiszą w nieważkości. Przestrzeń wydaje się być rozszerzona i spłaszczona i przypomina widok z góry.
Taki system kompozycyjny pojawił się po raz pierwszy. Wiele kompozycji Malewicza można przewrócić i nic na nich nie stracą. Co więcej, sam Malewicz, zaczynając obracać swój słynny „Czarny kwadrat”, zauważył, że w percepcji najpierw zamienia się w krzyż, a potem w okrąg. Tak powstał tryptyk: czarny kwadrat, czarny krzyż, czarne kółko. Trzy podstawowe formy suprematyzmu.
„Czarny kwadrat” stał się nie tylko pierwszą formą suprematyzmu, ale także atomem malarstwa. Malewicz wydobył z tego obrazu esencję każdego obrazu. Wiele lat później, wraz z pojawieniem się technologii cyfrowej, wszystkie obrazy zaczęły składać się z wielu segmentów w kształcie kwadratu - pikseli, atomów obrazów cyfrowych. „Czarny kwadrat” to pierwszy piksel, zero kształtów. Pierwsza idea o segmentowej strukturze obrazu żyjącego w czarnym kwadracie monitora, po drugiej stronie dodatkowej rzeczywistości internetu.
Celem muzyki jest cisza
„Celem muzyki jest cisza” jest napisane na pierwszej ulotce zeszytu Kazimierza Malewicza z 1923 roku. W tym roku artysta opublikował swój ostatni manifest "Suprematist Mirror", w którym zrównał wszystkie zjawiska świata do zera.
„Nie ma bytu ani we mnie, ani poza mną, nic nie może niczego zmienić, ponieważ nie ma nic, co mogłoby się zmienić i nie ma nic, co można by zmienić.
Istota różnic. Świat jako bezprzedmiotowość”.
Graficznym analogiem tego stwierdzenia były dwa puste płótna pokazane przez artystę w Piotrogrodzie na „Wystawie malarstwa artystów wszystkich kierunków 1918-1923” wiosną tysiąc dziewięćset dwudziestego trzeciego roku. Obrazy zostały nazwane tak samo, jak manifest „Suprematist Mirror”.
Co ciekawe, prawie piętnaście lat wcześniej Nikołaj Kulbin, przyjaciel, kolega i mecenas Malewicza, aktywnej postaci nowej sztuki tamtych czasów, napisał broszurę Wolna muzyka, w której kilka lat przed włoskimi kompozytorami futurystów zaprzeczył system dwunastu tonów. Kulbin jest autorem koncepcji muzyki nie temperowanej, ćwierćtonowej i muzyki ambient.
Kulbin uważał, że muzyka natury jest swobodna w doborze dźwięków: światła, grzmotu, szumu wiatru, plusku wody, śpiewu ptaków. Dlatego kompozytor piszący w gatunku muzyki wolnej nie powinien ograniczać się do tonów i półtonów. „Używa ćwierćtonów, ośmiornic i muzyki z dowolnym wyborem dźwięków”. Muzyka wolna powinna opierać się na tych samych prawach, co muzyka natury. Główną cechą muzyki ćwierćtonowej było tworzenie niezwykłych połączeń dźwięków, harmonii, akordów, dysonansów z ich rozdzielczością i melodią. Takie kombinacje dźwięków w skali nazywamy „bliskimi dysonansami”, ich brzmienie jest zupełnie inne niż zwykłe dysonanse. Kulbin uważał, że to znacznie zwiększa ekspresyjne zdolności muzyki, zdolność do materializacji.
Nieco później podobne pomysły wyraził włoski futurysta Luigi Russolo w manifeście „The Art of Noises”.
Kilkadziesiąt lat później amerykański filozof, poeta, kompozytor John Cage skomponuje swoją słynną trzyczęściową kompozycję „4'33”, którą po raz pierwszy zaprezentuje pianista David Tudor na koncercie Benefit zorganizowanym na rzecz sztuki współczesnej w Woodstock w pięćdziesiątym drugim roku 1900. Podczas sondowania utworu nie został odtworzony ani jeden dźwięk. Cisza trwała trzy okresy, odpowiadające trzem częściom utworu. Potem, kłaniając się, muzycy wyszli, a sala eksplodowała …
W naszych czasach ani muzyka ciszy, ani noise nikogo nie zaskakują. Instrumenty cyfrowe pozwalają na swobodne nagrywanie, tworzenie i miksowanie dźwięków, ich edycję, np. Usuwanie szumów. Muzyka elektroniczna, bez jednego „żywego” brzmienia, przypominającego jakikolwiek prawdziwy instrument, stała się początkowo odrębnym pełnoprawnym kierunkiem muzycznym, a później cała muzyka zmieniła się w pewnym stopniu w elektronikę, czyli została zdigitalizowana.
Zawsze po naszej stronie
Cała twórcza ścieżka Malewicza to potężne, dźwiękowe pragnienie przebicia się przez krawędź fizycznej rzeczywistości. Abstrakcyjny intelekt popchnął artystę do głębokich poszukiwań, chęci wyjścia za ekran widzialnego i namacalnego, wniknięcia w istotę rzeczy.
Jak subiektywnie zmieni się postrzeganie koloru, na przykład żółtego, jeśli zostanie zastosowany do różnych kształtów geometrycznych: koła, trójkąta, kwadratu? Jak bezbarwne (achromatyczne) kolory wpływają na ten kolor: dlaczego żółty gaśnie na białym tle i rozjaśnia się z nawiązką na czerni? Jak rytm i wielkość plamki malarskiej wpływa na subiektywne odczucie ciepła i chłodu koloru? Tego rodzaju pytania interesowały Malewicza jako badacza.
Kazimierz Malewicz na zawsze zmienił nie tylko sztukę, ale także nasze życie. Jego malarstwo to formuła. Formuła wyrazistości, w której można cofnąć obraz. Nie ma obrazu, ale jest ekspresja.
Pojawienie się „Czarnego kwadratu” zmieniło nasze życie i naszą świadomość.
Wzornictwo przemysłowe, projektowanie graficzne, projektowanie mody, projektowanie środowiskowe - tak wiele trendów, tyle błyskotliwych nazwisk. Dziś już od dawna nikogo nie dziwi abstrakcyjne formy kolorystyczne, którymi projektanci wypełniają naszą rzeczywistość. Niebieskie koło, które okazuje się lampą. Duży czerwony prostokąt to przycisk na wyświetlaczu! Abstrakcyjne formy stały się częścią naszego świata.
To wszystko mogłoby się nie wydarzyć, gdyby Kazimierz Malewicz nie napisał ani razu „Czarny kwadrat” i nie uwolnił formy i koloru spod dyktatu wizualnego obrazu.
